lunes, 16 de marzo de 2015

La respiración en el clarinete

Como much@s de vosotr@s sabéis, la respiración en el clarinete, al igual que en otros instrumentos de viento, es fundamental. Muchas veces os digo, "el sonido del clarinete no empieza donde comienza la boquilla, el sonido del clarinete comienza dentro de nosotros desde el momento en el que respiramos para comenzar a tocar". 

Por eso hoy os dejo esta entrada, para que conozcáis un poco más acerca de este elemento tan importante para los instrumentos de viento. Espero que os resulte interesante!



 Tipos de respiraciones:

- La respiración alta o clavicular: es la menos aconsejada para el estudio del clarinete porque requiere demasiado esfuerzo para almacenar poca cantidad de aire, ya que consiste en guardar aire en la parte alta de los pulmones.

- La respiración media o intercostal: es un poco mejor que la anterior, pero no del todo conveniente, porque cuando se practica se llena sólo la parte media de los pulmones. Por ser más fácil llevarla a cabo, es la que se suele realizar cuando se respira normalmente y siempre que no se vaya a tocar un instrumento de viento.

- La respiración abdómino-diafragmática o baja: es mejor que las anteriores porque llena la parte baja de los pulmones, que es la más amplia.

- La respiración completa: es la que llena en su totalidad ambos pulmones, empezando por abajo ( con una leve contracción del diafragma ) y prosiguiendo hacia arriba. Es mejor que la diafragmática, ya que se consigue almacenar más aire. Sin embargo, hay veces que la ejecución musical no nos permite realizarla, ya que no poseemos suficiente tiempo como para llenar los pulmones por completo.

Llegado a este punto, podemos afirmar que la solución más eficaz es la respiración baja, aunque realizaremos la respiración completa siempre que nos sea posible ( En realidad estamos hablando de dos respiraciones similares, ya que la completa consiste en realizar una respiración baja y seguir llenando hacia arriba, como si de una botella se tratara).

Ahora, vamos a estudiar con más detalle la Respiración Diafragmática:

¿Cómo se realiza?

Primero se inspira, tomando preferentemente el aire por la boca, ya que la superficie de absorción es mayor que la de la nariz, y el camino a seguir por el aire es más corto que si lo hace por los orificios nasales. A partir de entonces intentaremos dirigir el aire la zona más próxima al diafragma.

El diafragma es un músculo a modo de membrana que se encuentra en la parte baja de la cavidad torácica y que dependiendo del grado de curvatura que tenga presionará los pulmones poduciendo la espiración o dejará que éstos se expandan, realizando la inspiración. Así, cuando nosotros presionamos con los músculos intercostales y abdominales, o sea, introducimos el abdomen, provocamos el ascenso del diafragma, quien empujará los pulmones y el aire que contienen. Si presionamos con más fuerza, el aire saldrá con más presión. Al inspirar , hacemos que el diafragma "baje", quedando más o menos plano, dejando un hueco que permita a los pulmones llenarse de aire. Este es el modo con que actuamos sobre el diafragma.

De modo que, una vez llenos los pulmones, presionaremos con el diafragma para expulsar el aire ( inspiración ), controlando la presión y la cantidad de aire.

¿ Por qué es la respiración más correcta a la hora de tocar el clarinete?

a) Como vemos, el aire, al salir por la boca del instrumentista, debe superar o vencer numerosas resistencias que se oponen a su paso dentro y fuera del tubo. Aquí enumero unas cuantas:

1- La puesta en vibración de la caña, es decir, el paso de movimiento a no movimiento que se tiene que producir para que suene el clarinete.

2-El ángulo de incidencia o de inclinación que se forma entre el clarinete y el cuerpo del clarinetista.

3- El rozamiento con la pared interna del tubo.

4- El cambio de posición de los dedos ( digitación ) o cambio de masa vibrante.

5-La comunicación con el aire exterior al tubo, o cambio vibración-onda.

6-El índice de reflexión del enzapatillado.

7- La tensión de la abrazadera.

8- La temperatura ambiental y la presión atmosférica.

9- El cambio de registro sonoro.

Todas estas resistencias han de ser vencidas por el aire, que ha de ir provisto de una gran presión. La respiración diafragmática nos permite imprimir al aire que sale por nuestra boca dicha presión. Por tanto, esta respiración satisface las necesidades acústicas del clarinete.

b) Es mucho más relajada que los otros tipos de respiración. Si, por ejemplo, usáramos la respiración clavicular acabaríamos agotados de subir y bajar los hombros al respirar. Sin embargo, la respiración diafragmática libera al cuerpo de tensiones.

c) En general, permite un mejor aprovechamiento del aire, así como un manejo más fácil de la columna de aire.



Si pincháis aquí veréis un vídeo en el que se muestra a través de un experimento esta respiración.



Oído Absoluto

Esta aplicación permite tanto a los músicos profesionales, como a los aficionados, desarrollar el oído musical. Tiene siete tipos de ejercicios. Y tus aciertos se quedan guardados para poder ver tus avances!

Clica en la siguiente imagen para instalar la aplicación:

https://play.google.com/store/apps/details?id=ru.exaybachay.pearfree


Dando la nota

Esta aplicación sirve para aprender música y repasar conceptos básicos de la música. Tiene cuatro mini juegos:

  • Trivial: Preguntas realizadas por profesores relacionadas con la historia de la música, la teoría y los instrumentos. (Ej: ¿Quién compuso Las cuatro estaciones? Vivaldi, J.S. Bach, Beethoven o Donizeti).
  • Breves dictados musicales: Con los que educar el oído y perfeccionar el reconocimiento de las notas musicales. Partiremos de cuatro notas e iremos aumentando la dificultad hasta llegar averiguar una sola.
  • Carteles con los que se repasaran conceptos del lenguaje musical: Reconocer notas en clave de sol, de fa y de do. Diferenciar figuras y silencios (corchea, blanca, negra).
  • Reconocer todos los instrumentos a partir de su sonido característico (instrumentos de cuerda, viento y percusión). Como por ejemplo la guitarra, trompeta, piano, clarinete u oboe.


Para instalarla deberéis pinchar en la siguiente imagen:



sábado, 14 de marzo de 2015

Audipo

Esta es una aplicación para variar la velocidad de las audiciones y músicas. Deberéis instalárosla clicando en la siguiente imagen:


Saber Leer Notas Musicales

Esta es la versión gratuita de “Saber Leer Notas Musicales”.
Es una app que aborda de manera fácil y divertida la Lectura Musical y el Entrenamiento Auditivo.
Contiene tres Secciones Principales:

  • Sistema de notación musical tradicional en Clave de Sol
  • Sistema Americano, llamado comúnmente CIFRADO
  • Sistema de notación musical tradicional en Clave de Fa
Clicando en la imagen os podréis instalar la app:



Preguntas Teoría

Variedad de preguntas para poner a prueba tus conocimientos sobre teoría musical. Contiene cuatro niveles de juego principales: para niños, básico, medio-avanzado e instrumentos musicales.

Pinchando en la siguiente imagen podréis intalaros la aplicación:






Cuento Musical

Con esta aplicación podrás disfrutar de un cuento pedagógico inédito, así como de próximas publicaciones que realizarán, a las que podrás acceder a través de la misma aplicación. 

Todos los cuentos están acompañados de música clásica seleccionada y grabada especialmente para ellos. Cada relato ofrece dos versiones: cuento musical y audio-cuento.

La narración está dirigida tanto a padres e hijos sin conocimientos previos de música, como a profesores de primaria, escuelas o incluso conservatorios que quieran profundizar con sus alumnos en el lenguaje musical de un modo diferente.

Pinchando en la siguiente imagen podrás acceder a la aplicación para instalarla:


viernes, 13 de marzo de 2015

Lenguaje Musical 1

En esta paleta, podéis encontrar actividades sobre temas que estamos trabajando en clase. Es una forma diferente de practicar lo que vamos aprendiendo. Tan sólo tenéis que pinchar en cada cuadradito para ir a las diferentes páginas. Espero que os guste!


Evolución de clarinete



Antepasados del Clarinete:

El clarinete tiene una larga historia a pesar de aparecer a finales del siglo XVII. Sus orígenes se remontan a la antigüedad, encontrando su pista por todo el mundo.

Entre los instrumentos antiguos más importantes que guardan relación con el clarinete podemos citar:   
  • Launedas: Antiguo tipo de clarinete conocido en Egipto y en la antigua Grecia. Posee dos tubos desiguales melódicos y un tercero que hace de bordón.

  •  Machalat: instrumento hebreo compuesto por un depósito de aire y un tubo de caña.
  •  Arghoul, caramillo doble: Conocido en el antiguo Egipto, parecido a la zummara árabe.
  • Zummara: Palabra árabe que significa flauta o clarinete doble, formado por dos tubos paralelos de igual longitud. Fue un instrumento muy popular.


  •  Shakuhachi: Instrumento de caña de bambú, de origen chino y que se tocaba verticalmente.

  • Pigorn, o caldereta galesa: Del siglo XVI, era de forma más o menos cilíndrica, con varios agujeros y una ancha boquilla. Tenía insertada una lengüeta simple en el interior de una cámara. La técnica de producción sonora de este instrumento era un poco más elaborada, ya que la resonancia tenía lugar en el tubo y no en la boca como en las anteriores.
  • Aulos: Nombre griego del caramillo, al que los romanos llamaban Tibia. Estuvo construido primitivamente por medio de cañas, empleando más tarde la madera, el metal y el marfil. Tenía una especie de lengüeta y el número de agujeros oscilaba entre cuatro y quince, según las épocas.


Estos instrumentos se introdujeron en Occidente por medio de los músicos ambulantes, tomando la mayoría diferente nombre según las costumbres y lugar donde se establecen; así en Alemania se llamará Shalmey, en Italia Piffare o Ciaramella, en Francia Chalumeau y en España Tubo de caña.
De estos instrumentos el más perfeccionado es el Chalumeau francés, por su extensión, afinación y belleza sonora.


El Chalumeau francés:

Esta palabra francesa significa en general caña o lengüeta, no concretando la clase ni la forma, pudiéndose referir a simple o a doble. Es un instrumento barroco de madera y con una embocadura capaz de interpretar las notas del registro grave de un clarinete soprano. Actualmente al registro grave del clarinete lo llamamos registro chalumeau.





Denner y la evolución del instrumento:

El Chalumeau francés sirve de base para la creación del nuevo instrumento. Es Denner, nacido en Nurember (1655-1707) quien lo transforma en el clarinete en el año 1690 gracias a sus importantes trabajos y modificaciones.

El Chalumeau tenía una sonoridad increíblemente grave en relación a su pequeño tamaño. Sonaba una octava más grave que la flauta dulce de igual dimensión, y es para enriquecer este registro grave de agudos por lo que Denner lleva a cabo su obra.

Este artesano dedica varios años de investigación para llevar a cabo sus primeras modificaciones. La primera de éstas fue sustituir la lengüeta situada en la cámara sonora y colocarla en un pico o boquilla en contacto con la boca, pudiendo el instrumentista controlar a ésta por primera vez.

Esta mejora permitiría al hijo de Denner poco después, dar a la boquilla del clarinete su forma típica; la lengüeta era larga y su punta casi cuadrada, acoplada a la boquilla por medio de un fino cordel.




Con la finalidad de ampliar el registro del instrumento, Denner perforó un pequeño agujero en la parte superior del tubo, abierto o cerrado a voluntad por medio de una llave o palanca, esperando el mismo resultado que se obtenía en la flauta, o sea, una octava, pero no fue así y obtuvo una doceava. Esta primera llave llamada de doceavo es la innovación más importante realizada en el clarinete, pudiéndose obtener con ella los siguientes sonidos.


La ausencia de sonidos entre los registros hizo a Denner idear otro agujero accionando por medio de una segunda llave. Con esta llave se podía obtener un “LA” más o menos afinado, y con las dos accionadas a la vez resultaba un “SIb”.

El MI natural grave fue un resultado útil de este perfeccionamiento que tenía por fin la obtención del SI natural. Esta invención se realizo en 1740 y fue destinada al quinto dedo de la mano derecha. Algunos atribuyen este perfeccionamiento a Bartholo Fritz (1697-1766) fabricante de instrumentos en Brunswick. Lo más probable es que Fritz cambiara de sitio la tercera llave, situándola en la mano izquierda, quedando libre de esta forma la derecha.

En 1760 apareció un clarinete de cinco llaves cuyo uso se haría muy pronto, generalizado. Estas dos llaves nuevas estaban colocadas en la parte inferior del tubo y daban el FA# y SOL#, así como sus repetidas doceavas DO# y RE#.

Estas dos llaves fueron posibles gracias a Enrique Beer (1744-1811).




Los instrumentistas continuaban añadiendo llaves al clarinete, mejorando así su entonación pero no la facilidad d ejecución. Las ventajas obtenidas no compensan las fugas de aire de los tapones de fieltro, la flojedad de los resortes ni los problemas de la disposición general de las llaves. Es en 1812 cuando Muller presenta su clarinete de trece laves, suponiendo un acontecimiento extraordinario.


Müller y su instrumento:

Nacido en Rusia en 1786, Müller comenzó sus experiencias desde muy temprana edad. A los veinte años, cuando tocaba en la Orquesta de Cámara Imperial de San Petesburgo, ya experimentó nuevos tipos de teclaje.

En 1809 inauguró en un recital un clarinete de estructura nueva, fabricado para él por un artesano vienés llamado Merklein, constituyendo un gran acontecimiento. Este clarinete le sirvió de modelo para una vez perfeccionado presentarlo en el Conservatorio de París en 1812.

El nuevo clarinete estaba compuesto por trece llaves, pero lo más importante era la forma de la que estaban hechas, como estaban dispuestas, tapadas y accionadas.

La disposición de estas llaves era mucho más lógica que todas las que entonces se conocían, facilitando al instrumento tocar todos los tonos con cierta comodidad, ofreciendo también un mejor resultado acústico. Sus agujeros estaban ajustados de forma parecida a la que hoy día tenemos en nuestros clarinetes. Las espátulas eran de forma cóncava y las zapatillas eran de cuero rellenas de lana, de manera que cuando la llave estaba abierta existía suficiente abertura o salida del aire. Otra innovación de Müller fue sustituir el cordón que unía la caña a la boquilla, por una abrazadera de metal. 






Klosé y el sistema Boehm:

De origen francés, Hyacint Klose (1808-1880) fue profesor del conservatorio de París, sucesor de F. Beer (1794-1828) y fundador de la escuela francesa.
En 1842 tiene la idea de acoplar al clarinete el sistema de anillos móviles que T. Boehm había inventado para la flauta y que se conocería después por el sistema Boehm.

Este sistema del que gozaba la flauta consistía en una serie de llaves de anilla, en el que un dedo podía cerrar una anilla cubriendo por completo el agujero y a la vez accionar otra llave que cubriese un agujero distinto a cierta distancia, o sea, tapar varios agujeros con un solo dedo.
Boehm no creía posible que este sistema fuese aplicable al clarinete, fue Klose mediante la ayuda del fabricante de instrumentos L. Buffet quién encontró la forma de acoplar este sistema a nuestro instrumento.

Este clarinete lleva el mismo número de llaves que la mayoría de los que se han utilizado hasta hoy: 17 llaves y 6 anillos permiten a los dedos controlar 24 agujeros. Los trabajos realizados por Müller y otros fabricantes sobre la elevación de las llaves y las zapatillas se aprovecharon ya que se podía tocar sin riesgo de fugas de aire.

El nuevo sistema presenta numerosas ventajas entre las que destaca una mayor facilidad técnica y un mejor resultado acústico.

Oehler y el sistema Alemán:

El clarinete de Müller sirvió de base para que después de unas mejoras, apareciese el que hoy conocemos por el sistema alemán.
Kart Bärman fue quién aportó la primera mejora importante en el instrumento de Müller. Prolongó algunas llaves para que pudieran ser accionadas por distintos dedos y duplicó algunas otras formas que pudiesen ser utilizados por ambas manos.

La evolución seguida por el clarinete de Müller hasta su forma final que existe en la actualidad en Alemania se debe a los trabajos realizados por Oscar Oehler. Este instrumentista modificó la posición y la forma de casi todas las llaves hasta que las adoptó perfectamente a las manos de clarinetista, y mejoró notablemente la acústica del clarinete.

La sonoridad de este sistema Oehler o alemán es oscura y a la vez penetrante, al contrario del francés, que se inclina hacia un timbre más refinado y brillante, siguiendo con el sistema de boquilla más larga y a la vez más estrecha que la francesa, y la lengüeta más corta y gruesa, sujetándola a la boquilla por medio de un cordón.



A continuación podréis ver un vídeo sobre esto:







                   


miércoles, 11 de marzo de 2015

Lenguaje Musical 2

En esta paleta, podéis encontrar actividades sobre temas que estamos trabajando en clase. Es una forma diferente de practicar lo que vamos aprendiendo. Tan sólo tenéis que pinchar en cada cuadradito para ir a las diferentes páginas. Espero que os guste!


El Padrino

Hola chic@s! Os dejo la partitura de una película muy conocida. Podréis imprimirla clicando en el botón derecho sobre la imagen:


martes, 10 de marzo de 2015

¿Qué es la Pedagogía Waldorf?

La pedagogía Waldorf es una educación alternativa cada vez más implantada en España. Pero, ¿en qué consiste y qué la diferencia de la tradicional?


El currículo Waldorf no nace de una teoría intelectual abstracta  sino de la comprensión del desarrollo evolutivo del ser humano, desde la niñez a la primera juventud, teniendo en cuenta la progresiva aparición de capacidades vinculadas al ámbito del querer, del sentir  y del pensar.

Es decir, busca educar la totalidad del niño, equilibrando el trabajo práctico con sus manos, con el progresivo desarrollo de la voluntad individual y de las capacidades intelectuales. Estos tres ámbitos se trabajan en el niño, la básica y la media, con distintos énfasis y metodologías.

En los primeros años del niño, por ejemplo, la manera de acercarse a los conocimientos se realiza a través del juego, la fantasía y la imaginación, incorporando paulatinamente el pensamiento abstracto, de modo de evitar la intelectualización precoz de los niños. La pedagogía Waldorf distingue distintos momentos anímicos en que se acentúa el desarrollo de diversas capacidades, basándose en el estudio de la biografía humana a partir de septenios (periodos de siete años).


Una educación diferente: 

  • Cuando los niños comienzan a escribir, lo hacen usando mayúsculas y no minúsculas.  ¿Por qué? Los trazos son más sencillos con rectas y curvas muy claras. La minúscula requiere más precisión en la motricidad fina y el control del lápiz, por lo que se introduce posteriormente.
  • No hay exámenes. "Nos importa menos lo competitivo y mucho más dar a los niños una educación universal para que elijan lo que quieran ser cuando estén preparados. Cuando los niños trabajan así, lo hacen con interés y no pierden nunca las ganas de aprender. Por supuesto, la la pedagogía Waldorf cumple con el curriculum oficial y está homologada por la Consejería de Educación"
  • No hay libros de texto: El libro lo hacen los propios niños con sus trabajos del día a día. "Es un cuaderno muy ordenado, lleno de color, con los márgenes cuidados"
  • Dan mucha importancia a las artes y todo el material escolar que utilizan es natural y reciclable: plumas estilográficas para escribir, ceras de abeja para colorear... "la pedagogía Waldorf se apoya en el concepto de lo bello, lo bueno y lo verdadero". Se trabajan artes como la pintura, la música o el teatro. Se da mucha importancia al color con acuarela, y desde edades tempranas comienzan a aprender música. Desde 1º ya utilizan la flauta pentatónica y en 3º, si lo desean, pueden elegir un segundo instrumento.
  • No usan las nuevas tecnologías, sino que se trata de ofrecer una enseñanza más viva. No ven la televisión, no usan el ordenador, es preferible que escuchen música en directo que un cd...
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lunes, 9 de marzo de 2015

Digitación en el clarinete

Os dejo una aplicación en la que podréis comprobar, las posiciones que debemos emplear para cada nota del clarinete.

Así que, queridos alumn@s, ya no tendréis excusa para decir en clase:"es que no me acordaba de como se hacía esta nota..."  Aquí tenéis la solución!


Pinchando en la siguiente imagen os podréis instalar la aplicación:  



Recursos para una clase de música a través de la Pedagogía Waldorf

Os dejo una paleta de Symbaloo en la que podréis encontrar recursos para emplear en la clase de música utilizando la Pedagogía Waldorf.

En la paleta aparecen desde charlas sobre esta pedagogía hasta cuentos, canciones pentatónicas, enlaces a otros blogs interesantes...

¡Espero que os sirva de ayuda!



¿Por qué estudiar música?

Quiero compartir con vosotros un post muy interesante, del blog de Eduard Ruano, profesor de Tuba del Conservatorio Profesional de Zaragoza. Nos da una docena de razones por las que los niños deben estudiar música, y la verdad que no sobra ninguna..Allá van!


1. Desarrollo de la psicomotricidad:

Para tocar un instrumento lo primero es conseguir que suene ya sea soplando, frotando un arco, pulsando una tecla o rasgando una cuerda. Una vez conseguido esto, el siguiente paso es dar “forma” al sonido y tocar notas concretas accionando los mecanismos necesarios. Todo ello mientras se lee la partitura. Un ejercicio de psicomotricidad de lo más completo.

2. Competencias en idiomas:

Esa partitura de la que acabamos de hablar contiene instrucciones precisas sobre el ritmo, la altura, la duración, la velocidad, el carácter y la técnica precisa para tocar las notas; expresadas solamente con lineas, puntos, y algún que otro símbolo. Es como aprender a leer otro alfabeto, de la misma manera que si aprendemos ruso, griego o mandarín. Pero vamos más allá: la música tiene frases, sintagmas (semifrases) y palabras (motivos) que dan sentido al discurso musical, un auténtico sistema sintáctico que da coherencia a la música. Mientras aprenden música mejorarán su aprendizaje en conceptos propios de las lenguas y las competencias necesarias para aprehenderlas.

3. Pensamiento lógico:

Especialmente en los primeros cursos -en los que se asimilan e interiorizan los conceptos básicos de la música-, las matemáticas y la lógica son fundamentales para comprender e interpretar el ritmo. Por eso, estudiar música desarrolla el razonamiento lógico-matemático y estructura los mapas mentales.

4. Pensamiento múltiple:

Además de la psicomotricidad que mencionábamos para tocar el instrumento, hay que tener en cuenta que las notas deben sonar con la duración, afinación, intensidad, ritmo e intención que se nos pide en la partitura. O que nos pide el director. O nuestro compañero de atril. O todos a la vez.

5. Sensibilidad artística:

Por encima de cualquier requerimiento técnico la música es un arte. Siendo así, tocar un instrumento desarrolla la creatividad a través de la experimentación, canaliza la exteriorización de los sentimientos y fomenta el desarrollo del criterio artístico.

6. Capacidad de autoescucha y reflexión:

Es evidente que para dominar un instrumento hay que escuchar lo que se está tocando, analizarlo y corregir lo que sea necesario. Con el tiempo, el hábito de escucharse a uno mismo va más allá del instrumento y con ello el análisis y la reflexión de lo que nos decimos a nosotros mismos.

7. Empatía y habilidades sociales:

Además de escucharse a sí mismo, para poder tocar en grupo es imprescindible escuchar a los demás, por lo que se desarrolla la empatía. Si el grupo es grande, como una banda o una orquesta, también se desarrollan las habilidades sociales necesarias para relacionarse con los demás miembros.

8. Educación en valores:

Tocar con solvencia un instrumento no es fácil ni rápido. Requiere trabajo constante, esfuerzo y perseverancia; unos valores que la inmediatez de nuestro acelerado mundo parecen haber olvidado. Al mismo tiempo, tocando en público deberán superar sus miedos.

9. Autoestima:

Los pequeños avances que día a día experimentará serán una fuente de satisfacción que gratificarán todo el esfuerzo invertido. A medio plazo el control sobre el instrumento será mayor, con lo que también crecerá la motivación y el perfeccionismo; al cabo de los años podrá mirar atrás y ver que ha merecido la pena y todo ha sido posible gracias a sí mismo.

10. Serán más responsables y cuidadosos:

A excepción de los instrumentos más grandes (piano, órgano, clave, arpa, percusión, contrabajo…), cada estudiante utiliza su propio instrumento, tanto en el estudio personal como en clase. Los instrumentos musicales son delicados y por tanto requieren cierto cuidado en su manipulación y mantenimiento; en otras palabras: un instrumento necesita que seamos responsables y cuidadosos con él.

11. La casa será más alegre:

Vale, un estudiante repitiendo hasta la saciedad la misma pieza (que encima suena desafinada) puede llegar a cansar, pero hay que reconocer que siempre da alegría a la casa (o al bloque de pisos, o a la calle entera…).

12. Queda muy bien en las celebraciones familiares:

La escena de los más pequeños amenizando la velada con sus instrumentos es un clásico. Ellos contentos de demostrar lo que son capaces de hacer y los mayores babeando de verlo. Entrañable.

En definitiva, estudiar música es un ejercicio de los más completo, que ayuda a los más pequeños a desarrollar sus capacidades intelectuales, sociales y personales mientras se divierten. ¿Qué más se puede pedir?